Galib Gassanoff, de Institution, limita sus colecciones de pasarela a 30 looks. Para él, este no es el espacio para presentar abrigos comerciales ni sastrería versátil para usar en cualquier ocasión. La pasarela es una plataforma para ideas e historias. En su tercera colección de runway, continuó con su práctica de elevar los oficios tradicionales y la compleja historia de su lugar de origen, el pueblo georgiano de Karajalar (en Europa Oriental), al escenario de la semana de la moda.
Esta temporada, el semifinalista del Premio LVMH 2026 recurrió a tejedoras azerbaiyanas —él también es de ascendencia azerbaiyana (pueblo ubicado entre Asia y Europa)— para aplicar sus técnicas laboriosas de anudado a mano en telar vertical, a tres piezas especiales del desfile. Es fácil identificarlas dentro de la colección; Gassanoff no quiere disimular su origen. Deja que estas obras se vean como alfombras incluso cuando están envueltas alrededor de la modelo como una falda y combinadas con un cárdigan. Las interpretaciones surrealistas de la artesanía siguen ocupando un lugar central a lo largo de la colección: lana de doble faz convertida en prendas escultóricas de outerwear y agujetas cosidas a mano que se unen para crear una falda.
Contenido relacionado: 10 recomendaciones de dermatólogos para suavizar las arrugas de la frente
Ha encarnado esta misma filosofía desde que fundó Institution en 2024, después de mudarse a Milán a los 18 años para estudiar moda. Entre sus colecciones anteriores hay faldas amplias tejidas como canastas y agujetas tensadas para imitar tejidos gruesos. Hablamos con Gassanoff antes de su desfile en la semana de la moda de Milán.
A continuación, el diseñador reflexiona sobre sus fuentes de inspiración para esta colección, su lugar dentro de la ciudad italiana y sus esperanzas para el futuro de su marca.
¿Qué puedes contarme sobre esta colección? ¿Cuál fue tu punto de partida?
La idea empezó a tomar forma hace unos nueve meses. Me inspiro en mi infancia, en mis raíces. Soy de Georgia y tengo raíces azerbaiyanas. Ahí fue donde comencé mi investigación. Trabajo con la comunidad en torno a los textiles, específicamente en zonas rurales donde existe una tradición de elaboración de alfombras. Habrá tres piezas especiales hechas en colaboración con estas mujeres de la manera tradicional, igual que se hacía hace 100 años. Y no quería limitarme solo a inspirarme en ellas. El oficio de hacer este tipo de alfombra está desapareciendo.
Poder colaborar con estas artesanas, darles una forma de expresarse y, al mismo tiempo, inspirar a las nuevas generaciones a aprender este oficio es importante para mí.
A comienzos del siglo XX, cuando Georgia y Azerbaiyán obtuvieron su independencia del imperio ruso, se convirtieron en la primera república democrática del Cáucaso. Las mujeres alcanzaron independencia con el derecho al voto y a ser elegidas al Parlamento en 1918. Fue muy temprano, antes que en muchos países europeos, que las mujeres tuvieran este tipo de libertad. También fue una época en la que la religión pasó a un segundo plano y la liberación, la libertad y la expresión estaban al frente. Hubo una mujer, Peri-Khan Sofiev, originaria de mi pueblo, que fue elegida para el gobierno en ese momento. La primera mujer musulmana elegida democráticamente. También quería contar su historia. Así que la narrativa de mi colección trata básicamente de esa región, de la condición de las mujeres, de cómo piensan, de su estilo de vida y demás.
¿Cómo se materializa eso en las prendas?
Me encanta la etnografía. Me encanta la historia de la indumentaria. Lo que me gusta de mirar hacia atrás es que todo era natural. Todo estaba hecho a mano y la artesanía era muy importante. Todo el mundo asocia este tipo de trabajo artesanal con algo anticuado, algo histórico, pero yo creo que se está volviendo muy raro. Muchos de nosotros estamos empezando a extrañar ese toque humano. Creo que eso es algo muy especial que debemos considerar proteger. Será el lujo definitivo, en mi opinión, porque una vez que desaparezca, habrá desaparecido para siempre.
Le doy muchísimo valor a los tejidos.
Sí, hago bocetos, pero también calco patrones, corto telas para vestidos y otras prendas; y la mayoría las confecciono yo mismo. Experimento al unir sastrería histórica y moderna. No me gusta simplemente hacer referencia a un par de cosas y luego crear algo completamente distinto. Me gusta ser honesto con aquello a lo que hago referencia, para transmitir la historia y la artesanía que hay detrás.
En tus dos últimas temporadas has trabajado con siluetas realmente impactantes. ¿Cómo piensas el drapeado de la tela sobre el cuerpo?
Me apasiona bastante distorsionar o modificar la silueta, pero no de una manera que resulte perturbadora. Normalmente intento exagerar un poco los hombros o las caderas. Mientras crecía, había esculturas que quedaron de nuestra época bajo la Unión Soviética y que solían representar el cuerpo femenino de una forma bastante estructurada, en metal o en concreto. Sin duda, eso me ha influido un poco. Pero, más allá de eso, hay formas que están realmente determinadas por los tejidos que utilizamos.
Trabajo con las formas que el propio material me da. Cuando colaboro con las comunidades, no las presiono para que hagan algo específico. Me envían algunas fotos o veo algo cuando las visito. Entonces decimos: “¿Pueden hacerlo más grande? ¿Pueden hacerlo más pequeño?” y así sucesivamente. Después, cuando esa forma llega, vemos qué podemos hacer con ella. Pero esa parte es su contribución.
¿Cómo organizaste tu desfile?
Siempre quiero dar un paso más, pero no quiero excederme. En este momento no tengo presión de inversionistas externos que busquen éxito comercial o un crecimiento acelerado, así que tengo libertad creativa. Aunque es difícil, me hace muy feliz hacerlo de esta manera. Me alegra poder desarrollar libremente estas telas rígidas y pesadas con las que trabajo. Y puedo crear mis formas sin que nadie me diga que haga una versión más ligera para venderla. Por supuesto, hay partes de la colección con abrigos, vestidos y demás que pueden usarse fácilmente en el día a día, pero eso no suele ser el foco en la pasarela, porque limito el desfile a 30 looks para contar bien la historia. Esta temporada, la colección giró principalmente en torno a esas artesanas con las que trabajo. Las expectativas fueron altas.
¿Cómo es trabajar y presentar en Milán en este momento?
No es fácil en Milán, porque no hay mucho espacio para la generación más joven. Todo el mundo está muy concentrado en los grandes nombres, porque hay muchas casas consolidadas que hacen desfiles enormes, con intereses comerciales importantes. Además, aquí todo se hace muy lentamente, aunque uno termina acostumbrándose. Fuera de eso, es increíble tener acceso a una industria textil enorme, con personas capaces de hacer cosas extraordinarias. Todo el mundo viene aquí para desarrollar sus muestras, para hacer sus colecciones. Puedes encontrar de todo: artesanos, tejidos, fábricas y eso es una ventaja enorme.
¿Cuáles son tus aspiraciones para la marca? ¿Qué quieres de ella?
Idealmente, me encantaría poder expresarme y seguir colaborando con estas comunidades. Pero mi mayor sueño es seguir haciendo cantidades limitadas y vendiendo bajo pedido. Ese es un sistema que incorporé a mi manera de trabajar, a partir de técnicas tradicionales y muchas piezas hechas a mano: producir menos, pero crear algo con un valor extraordinario. Estas prendas se convierten en piezas de colección. Me gustaría poder expandir eso un poco más, para que la marca pueda sostenerse por sí misma y sostener a las comunidades con las que trabajo. Y me gustaría poder expandirme a otras regiones. Por ahora trabajo con Azerbaiyán porque es mi hogar, pero me encantaría explorar Asia Central, los Balcanes y más allá. Creo que lo que hacemos ahora es bastante orgánico. Es desafiante, absolutamente, pero también muy valioso. Creo que puede ser un futuro alternativo. (I)
Este artículo salió originalmente en Harper's BAZAAR Estados Unidos.
